徐震最大规模个展深圳开幕：我应该是国内竞争意识最强的艺术家 | 一条艺术
2024-04-19 13:58

徐震的创作和现实密不可分，他在作品中将不同文化符号组合——罗马柱缠绕在汉代陶俑周身、古希腊雕塑和中国佛像相连，他甚至自己创办公司、画廊、品牌、美术馆，讨论商业和消费主义。

3月下旬，徐震的个展“生态作为媒介”在深圳市当代艺术与城市规划馆开幕，展厅如同一个大型仓库，没有展墙、没有展线，他近20年职业生涯中的100余件代表作品，以一种百科全书式的方式呈现，信息量巨大。

从业20多年，他一直保持高强度的工作，“我应该是国内竞争意识最强的艺术家”，徐震说道。开幕式结束后，我们和徐震聊了聊他的创作和背后的“生态”。

文／李凝玉‍‍‍

Section 1
展厅像仓库一样，呈现20年来100多件代表作

当展厅的卷帘门升起，一个像电影《沙丘》里“沙虫”一样的雕塑出现在眼前，只不过它的头部是古希腊立柱的样式，结实的柱体被拉长、延伸，盘踞在展厅里，这是徐震的代表作《Hello》。
上百件作品，沿着《Hello》庞大的“身体”放置，展厅像是一个大型仓库，让人目不暇接。

“我们希望能够做到一个比较轻盈的现场，尽管作品多且大，但它们不会让人感觉很重，或者说太压迫，还是比较温柔，像一个怪兽在你旁边呆着的那种感觉，当然它里面也隐藏着一种不安全性、不确定的东西。”徐震说。
作品没有按创作时间顺序来排列，看似被随意放置，实则互相呼应。

新作“饮料”系列邀请观众一起搅拌、吮吸不同的文化。徐震将罗马柱“弯”成吸管，插进欧洲古典雕塑的头顶、插进旧石器时期的“维纳斯”雕塑里、插进青花瓷的花瓶里、也插进他画的水墨假山石里……
这一系列的来源——古希腊雕塑和佛像组合的“永生”系列、2017年创作的“异形”“进化”系列散落在周围。再往里走，是一座巨大的“文化”绞肉机，孔洞里流出的全是平滑的、面条一般的罗马柱。

作品对于全球化、不同文化交织的直白表述，也让人不禁揣测，应该不会这么简单吧？于是不自觉陷入和艺术家思想的“拉扯”中，进入更丰富的思考。

展览现场就像是不同文化的大乱炖，而突然出现在其间的“苹果手机专卖店”，像是破了次元，带我们进入另一个语境。这是徐震2021年开始的“基地”系列，模仿苹果手机专卖店的陈设，桌上的手机轮播着聊天纪录、短视频，将现实提取、呈现。
展厅墙面挂着的抽象画“激情”系列，取自社交媒体上聊天对话的截屏，徐震用抽象的笔触再现人们使用手机时的手势、上网冲浪时的情绪。这个系列也不止于绘画，他将作品送给观众，再由观众分享在网络上，这些在社交媒体上传播的截屏又成为画作的背景和新一轮的故事。


Section 2
公司、画廊、美术馆......
把艺术圈纳入自己的创作中

不难从徐震的创作中找到对社会现实的指涉。
而徐震身上更为特别的是，他在创作中不仅讨论现实和艺术圈生态，同时让自己介入其中，“打造”出一条艺术生态链——从创作到展览策划、艺术媒体、艺术公司、画廊、艺术家品牌、培训年轻艺术家的“魔法班”、专卖店、艺术公园、美术馆……把“触角”伸到艺术行业的几乎所有角落，实践着“自我生态化”。

这一过程与现实紧密联系。90年代末，徐震开始做展览、参与非营利的比翼艺术中心，是因为上海的当代艺术展览很少，没有展览那就自己来办。
随着艺术生态逐渐系统化，专业画廊、美术馆开始出现，同时全球化加速，在这一变化中，比翼艺术中心，徐震和艺术家朋友一起创办的艺术媒体Art-ba-ba以及画廊又承担着挖掘、推广本土艺术家的功能。

到2008年至2009年，徐震发现非营利的比翼没有办法再帮助艺术家，因为艺术家需要钱，需要推广，于是他们做公司，做画廊，将“徐震®” 作为品牌推出。其商业化引发很多争议。但这无不呼应着中国当代艺术商业化的现实，用拥抱的方式去打入其中，去实验。

2022年，没顶美术馆开幕。当时，徐震和我们聊道，做美术馆其实是做一个以艺术家为主的平台，将美术馆当成材料或现成品去创作。同时，这也是一场对艺术系统的反叛。

身兼多重身份的徐震，一直保持着忙碌、高强度的工作，尽管前一天的开幕晚宴持续到很晚，但在早上九点的访问现场，徐震依旧精力充沛，以下是我们的对话。


Section 3

对话徐震：“我的创作很难落到一个具体的媒介上”

Q=一条艺术
A=徐震
Q: 一进入展厅，好像进入了一个仓库，展陈也不是按常见的时间顺序，有什么特别设计呢？
A: 一个是信息密度大。然后我要让你看到一条蛇很逗很酷；旁边有一个上下佛，竖在那里；一转身，一个耍杂技的：一个希腊雕塑上竖了几个人；这边一堆小画，竟然画的是微信对话……我能把你的思绪带得越远越好，这些元素还会重复出现，不断刺激你，很满，有点过度，像是我们如今接收网络讯息的感受。
你的思维会被这样的形象和意义捆绑，搅拌在一起，意识流一直变化，这是这个展览需要的东西。

Q: 展览主题“生态作为媒介”如何贯彻在你的创作方法中？
A: 这个主题是策展人王亚敏提出来的，他其实可能更多是从我们其他工作，比如我们的策展、做画廊、做机构、做媒体，他觉得你做了那么多事情，“生态”它决定了你的创作结果。
我们就开始深入地去分析这个事情，也采访了一些周围的朋友什么的，“生态”是一种集体性的、共同的一种感受和价值观。
像我是调用其他身份的经验，汇总在一起，馆长、画廊主，我并不是在转换身份，而是把它们都纳入自己的创作当中，周围的生态链变成了创作的媒介。

Q: 作品中很明显的不同文化元素的组合，你不会担心过于直白吗？
A: 我一直在强调一种所谓的全球性普世的东西，但是同时必须要有我理解的、我看到的现实的特点。这两者叠加在一起，共同形成一种能量场。
这个东西我觉得不能用语言来说，要去感受，比如说我为什么要去创造一个绞肉机一样的东西，你看到无外乎就是文化信息挤压、搅拌，最后出来的是一种文化，如果这么解读，你自己都会觉得有点太生硬，会忽略了它里面很多很生动的东西。

Q: 这次还展出了新作水墨系列“山水”，怎么开始尝试水墨了？
A: 我们画了一个石头上插了根管子，把假山石拼成了外星人的感觉。
这其实是在借用国画这个符号来搞创作，从文化的挪用角度，就是需要国画而已，用就行了，我们不需要进入媒介里面，我迅速地用几个月来了解、扫盲，我不用精通它。
像我这样的创作，很难落到具体的一个媒介上，甚至于我在回避这些东西。因为到底是哪个媒介没那么重要，结果就是你画了一张画挂在墙上，我做了个装置在旁边，作品谁把谁“吃”掉的关系，在展览里你放不住，你就出局。

Q: 感觉你有很强的竞争意识？
A: 我应该是国内竞争意识最强的艺术家了。
大量的艺术家，过7、8年能剩20%在你面前已经很好了，这就是现实。如果我做的弱，你不会同情我。有人做出足够好的作品，大家就会暗暗较劲，年轻艺术家想：我将来要成为这样的大师，我们也是这样过来的。
从我到我们的“没顶”，其实是一直在树立难度，制造焦虑。
很多人不理解，觉得是流水线生产，但是实际上我们真的是“生产”，只是我们把“生产”的维度提高了，一个艺术家平均一年可能创作5-10件作品，我们可能一年创作百来件作品，外界对艺术家要求太低了，对不起，我们是真的强度很高。不然我不会在你面前，因为这是一个高竞争的行业。

Q: “没顶公司”的创作节奏和强度这么大，很“狼性”企业文化的感觉，除了提高竞争力，为什么要这么大强度？
A: 这不叫狼性，这是一个非常丰富多元的过程，但是容易被“狼性”这样很单调的词概括。我相信好的艺术家都是逼出来的，得逼掉你的惯性、把你惯性的节奏强行了断，你才能进入一种相对自由思考、判断的状态。

比如做个展览，那这个展览目的是什么？在你五年的生涯中，你希望它达到什么地位、什么作用？在你给出的方案里能不能实现？不能实现，换方案，后天交方案，那就通宵干，是这样的，很现实的。
像这样的一个现场，我一般都要做到十几版方案以上，差不多两三百套作品方案。我一直是起床就干活，密度跟长度肯定要加上去，不然就全是自己想象。

Q: 之后会继续延展你的生态链吗？像公司、画廊、美术馆这些？
A: 会，它其实是个话语权的问题。
艺术家的主要工作就是对抗，去挑战别人，不是太太平平很鸡汤地创作，这是很扯的，这是小学生写作文。
就像这个现场，对我来说就是斗争，斗争什么东西？连我在内的日常中的惯性和平庸。它其实是目的性很强的一个空间，你有技术、有方法、有媒介、有什么，但最终你得有这个，没有，你所有的东西都是附庸风雅而已。

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